Las 5 tendencias clave de primavera 2027

El oro fue la respuesta de la temporada a si un solo color puede sostener una colección entera. Anthony Vaccarello lo demostró en Saint Laurent con una contundencia memorable. Chaquetas, faldas lápiz, chaquetas safari y vestidos de cóctel, todos en dorado, en una variedad de tejidos metalizados: lamé, organza, guipur, chiffón, brocado, jacquard, algodón metálico, látex.

El oro adoptaba tonos pardos, rojizos y foliáceos según el tejido, y texturas arrugadas, plisadas y con volantes que hacían que cada look representara algo distinto al anterior.

En Dior, Jonathan Anderson llegó al mismo territorio tanto para hombre como para mujer. Su punto de partida fue el wénwán, la tradición china de rodar nueces entre las manos hasta que desarrollan una pátina natural. Uno de sus looks unisex más virales han sido unos pantalones totalmente dorados, complementados con la suavidad de una camisa. El oro en Dior no era exclusivamente algo implícito: el brillo de los pantalones metálicos repujados sí, pero la luminosidad de los tejidos más ligeros daba la sensación de que cada prenda llevaba consigo algo valioso.

En The Row, una serie de pequeños bolsos en pieles metalizadas daba una nueva dimensión a su simplicidad.

La organza no es un tejido nuevo, pero esta temporada ha recuperado el protagonismo. En Sacai, muchas de sus prendas y siluetas clave aparecían con una capa adicional de organza que parecía encapsular las prendas de debajo. Chitose Abe propuso una colección más oscura de lo habitual, con looks en blanco de la colección combinaban mangas flotantes, volantes suaves y paneles traslúcidos con un deje etéreo. La organza aquí se superponía a cuero y satén luminoso. Esa tensión entre protección y vulnerabilidad era precisamente el argumento de la colección: prendas que exponen su propia construcción mientras se mueven.

En Dior, Jonathan Anderson construyó algunos de los looks más memorables de la semana sobre organza. La corola modernizada llevaba su peplum plisado sobre una capa de gasa inferior. Los abrigos a cuadros con flecos etéreos y los vestidos ensamblados a partir de cientos de pétalos teñidos a mano llevaban la idea más lejos: la organza como algo que parece estar siempre a punto de deshacerse sin llegar a hacerlo.

En Carven, Kai Nesselrath utilizó la organza con más contención. Los bordados en forma de pluma y las capas aéreas de su debut apuntaban en la misma dirección: una apuesta por la ligereza.

Si hay una tendencia que ha definido muchas de las colecciones del año ha sido esta. La pedrería aparece como una intervención directa sobre prendas cotidianas: un jersey, una falda plisada, el cuello de una blusa. La idea es que el brillo no necesita una razón especial para estar ahí, la razón es simplemente estar.

En Prada, Miuccia Prada llevó la idea a su expresión más radical. Las faldas de la colección, ya de por sí el eje central del desfile, aparecían intervenidas con cristales en las cinturas y los paneles, rosetas, paillettes sobre pliegues y capas de bordado floral en forma de lentejuelas. El efecto no era el de la gala sino el de algo más cercano a la alegría irreverente.

Julian Klausner llegó a Dries Van Noten con una propuesta distinta pero igualmente convincente. Su punto de partida era una actriz que, terminado el rodaje, vuelve a la calle sin quitarse del todo el personaje. Blusas de lentejuelas sobre camisetas de cuello de pico, faldas semitransparentes con vuelo junto a un solo guante rosa fucsia, joyas apiladas que parecen prestadas del vestuario y que inundan las prendas de la colección.

En The Row, el centro fue más contenido pero igualmente destacable. Un vestido largo de capas de encaje en oro y blanco, tejidos crochet y detalles de joyería  y pasamanería victoriana demostraron que la firma de los Olsen sabe salirse de su registro habitual.

El verde de la temporada no es el verde bosque ni el verde salvia que ha dominado los últimos años. Es más eléctrico que eso, más explícito. Un verde que busca irrumpir y dejar huella, y que aparece en colecciones muy distintas entre sí.

En Tibi, Amy Smilovic lo introdujo con la misma pragmática que define toda su propuesta: como color de acento sobre siluetas relajadas, junto a los ginghams y las botas de serpiente de su colección inspirada en Nashville. El verde en Tibi no tiene pretensiones. Es el color de alguien que se viste para sí mismo, no para ser fotografiado.

En Loewe, Jack McCollough y Lazaro Hernandez lo usaron de otra manera. Sus vestidos de chiffón en primarios intensos recuperaban la silueta de una camiseta de baloncesto y la trasladaban a la noche con tonos verde intensos. El verde aparecía junto al naranja y al amarillo en lo que los diseñadores propusieron como centro de la colección: colores del deporte americano reinterpretados con la artesanía y el drama del barroco español.

En Dries Van Noten, Julian Klausner lo incorporó en su repertorio de glamour espontáneo. Como parte de los estampados cinematográficos en Technicolor, el verde eléctrico convivía con el rosa y el azul en vestidos de seda y abrigos de satén entallados, como si hubiera sido extraído directamente de un cartel de película de los años cincuenta.

Una de las ideas más recurrentes de la temporada se reconoce enseguida: de Sacai a Loewe y Celine, las prendas que parecen estar en medio de una transformación muestran lo que habitualmente queda oculto o que sugieren más de un uso posible. 

En Maison Margiela, Glenn Martens lo planteó como su debate central bajo el título “Hard and Soft”. Los paneles de corsé aparecían incorporados a camisetas de seda, jerseys de cuello alto y vestidos largos con efectos de trampantojo para refrescar las prendas. El trench que abrió el desfile tenía pliegues dramáticos alrededor del cuello y un frente tipo delantal que alteraba por completo su silueta habitual. Un vestido blanco largo llevaba un corpiño construido a partir de cubertería aplanada.

En Loewe, McCollough y Hernandez llevaron la idea hacia otro horizonte. Las faldas lápiz y las cazadoras con cremalleras en la espalda para revelar estampados y dimensiones fueron la clave de la colección. El blazer de ante que reprodujeron, el primero que hizo la casa en 1960, llegó actualizado pero reconocible: una pieza que carga con su propia historia visible.

Chitose Abe en Sacai lo mantuvo como el pilar fundamental de su marca: una parka con dos capas que imitaban el proceso de forrado, una chaqueta con exterior traslúcido que dejaba ver sus elementos constitutivos. Todo ello con el clásico patrón magistral y el deje transformable que tienen sus prendas.