El nuevo Maison Margiela de Glenn Martens

Glenn Martens prefiere definirse a través de su metodología que a través de la imagen. Su trayectoria no representa una estética preconfigurada. Martens demuestra una visión intuitiva de entender la moda desde dentro, como un sistema que puede cuestionarse, deconstruirse y reorganizarse sin perder una visión coherente. Nacido en la célebre ciudad de Brujas, se formó primero en diseño de interiores antes de ingresar en la Royal Academy of Fine Arts de Amberes. Esto ha dado forma a toda su trayectoria, desde su propia relación con la moda a su forma de presentar y desarrollar sus colecciones. 

Su camino profesional comienza en 2008 con el paso por Jean Paul Gaultier como diseñador junior, marcando un gran primer contacto con el sector más experimental y rebelde de la moda. Trabajaría aquí hasta 2012, lanzando su firma personal Y/Project al año siguiente. De hecho, es en Y/Project donde desarrolla un lenguaje de diseño personal y propio. Durante once años consecutivos, Martens utilizaría su firma como un territorio de experimentación privilegiado. Sus colecciones se desarrollaban jugando con la función de las piezas, cambiándolas de sitio, propósito en incluso de estructura. En un perfil escrito en CRASH Magazine, la periodista Armelle Leturcq lo describe como un diseñador que “funde géneros y estilos”, señalando su preferencia por un lenguaje creativo abierto y mutable. 

Con esa misma visión personal aterrizaría más tarde en Diesel, pero en un contexto más global y comercial. Aquí, lejos de diseñar colecciones aisladas, se trataba de reescribir una identidad internacional. Martens reduce aquí su conceptualización deconstructiva al fogón más bajo, reeditando los iconos en denim de la firma juvenil con un lenguaje entre moderno y experimental. En conversación con Business of Fashion, articulaba su método con el entusiasmo que lo caracteriza:

“Hay una parte importante de mí a la que le encanta sumergirse en la narrativa y la construcción. Me encanta la experimentación, me hace realmente feliz”.

Glenn Martens (BoF, 2026 - traducido)

Su insistencia en el proceso y en el desarrollo continuo de ideas se mantiene como uno de sus pilares no solamente creativos, sino personales. Glenn Martens es alguien que vive la moda con gran ilusión, siempre mostrando asombro y agradecimiento de situarse junto a sus dos mayores ídolos del sector: Jean Paul Gaultier, y ahora John Galliano.

La primera colección ready-to-wear de Glenn Martens para Maison Margiela fue un completo asentamiento de su visión para la firma. Sin embargo, su primera colección no fue ready-to-wear. Como el tercer director creativo de la firma, tras Martin Margiela y John Galliano, su debut en Artisanal (alta costura) de julio de 2025 había servido para mostrar su autoridad sobre el puesto. Esta primavera/verano 2026 debía responder a una cuestión más difícil: cómo convertir el archivo de Margiela en un armario contemporáneo sin neutralizar su deconstrucción. La maison lo formuló como “a series of concepts and proposals for real life” (Maison Margiela), y esa frase define bastante bien el desplazamiento. Menos fantasía ambiental y una apuesta por una ropa vivida y realista. 

El contexto del show ya servía como un reposicionamiento total, al hilo de las performance en directo que caracterizan el imaginario de Martens. Como fondo tras las modelos, una orquesta de 61 niños y adolescentes interpretaba clásicos con una torpeza deliberada, casi entrañable, que varios críticos leyeron como una defensa de la imperfección. Alexander Fury de AnOther Magazine lo tildó de “tenderness and irony”, mientras Harper’s Bazaar subrayaba “the joys in getting it wrong”. No era un detalle escenográfico menor. Era una forma de recordar que Margiela siempre escapó de la perfección como valor supremo, como algo que convenía desmitificar.

En las piezas, inspiradas en momentos de serendipia del archivo y construcciones vintage vividas (objects trouvés), Martens propuso una sastrería recortada, redondeada, descontextualizada. Los hombros se abrían, las solapas se segmentaban, los chalecos tipo tuxedo se derretían; y el tiro bajísimo extendía el torso hasta volverlo extraño. Había slip dresses sujetos con cinta, vestidos florales intervenidos como si el tiempo hubiera actuado sobre ellos, y superficies plastificadas que continuaban planteamientos de su desfile Artisanal. También aparecían códigos históricos de la casa, desde los heel-less hasta el Tabi Claw, o los controvertidos mouthpieces inspirados en las cuatro costuras que funcionan como emblema de Margiela.

Lo más interesante fue el retorno al objetivo primordial de Martin Margiela. WWD lo recogía como una idea reveladora: Martens quería “crear ropa en la que los clientes quieran vivir”. El deseo se manifestaba a través de piezas modulares, en la cardijacket, una nueva pieza planteada para personas muy activas, así como en el en una deconstrucción que no borraba la silueta masculina y femenina, sino que la dejaba respirar desde sus rasgos naturales.

La tercera colección de Glenn Martens para Maison Margiela fue presentada en Shanghái en abril de 2026 como un nuevo capítulo de temporada. Al cancelar París para fundir prêt-a-porter y Artisanal en un mismo escenario, Martens transformaba el desfile en algo más significativo: una toma de posición sobre qué significa dirigir una maison con un archivo, un lenguaje propio y una ambición tan reverenciados a nivel global. En conversación con Nicole Phelps en The Run Through With Vogue, Martens definía sin rodeos como un momento “altamente institucional”. En su visión, una ocasión para exponer los códigos más fundacionales de la casa, desde el bianchetto hasta el concepto de anonimidad*, el Tabi o la propia idea de Artisanal tanto en la colección como en una serie de acciones por distintas ciudades de China.

*representado cubriendo las caras de las modelos con máscaras, un signo muy Margiela por su énfasis en la prevalencia de las piezas sobre quién las lleva.

El contexto importaba tanto como las piezas, siguiendo el objetivo de Margiela. El desfile tuvo lugar en un muelle de carga de contenedores a las afueras de Shanghái, un espacio industrial que refleja el universo interno de Martens. Esta acción ha sido coherente con la historia de Margiela, siempre atraído por los lugares desligados del sistema. Harper’s Bazaar habló de una “cultural relocation”, una reubicación deliberada de los códigos de la maison en una ciudad que hoy concentra buena parte de la velocidad de la moda, pero alejada de los sistemas de la moda tradicionales. Esa acción se ha prolongado además en todo el programa paralelo de exposiciones y activaciones, pensado para convertir China en un huésped temporal del universo Margiela.

En la colección, Martens profundizó en una idea que ya venía insinuando: devolver la maison a “the original ways of thinking”, como dijo a WWD. El punto de partida fueron los objetos encontrados, la posibilidad de descubrir belleza en lo descartado. A partir de ahí surgieron muñecas de porcelana eduardianas, vestidos cubiertos de cera, superficies pintadas con bianchetto, dorados que se desprendían al caminar, fragmentos de tapiz histórico, y vestidos que parecían conservar la memoria física de otras vidas. La porcelana, símbolo del país, aparecía de manera natural como materia frágil, casi onírica.