COLECCIONES HOMBRE PARA 2026

Prada Otoño/Invierno 2026 no habla de novedad, sino de lo usado y lo vivido. Como expresando temor al olvido, Miuccia Prada y Raf Simons proponen una idea de progreso que se niega a borrar lo anterior. La colección, titulada Before and Next, se desarrollaba en la Fondazione Prada como una excavación arqueológica del pensamiento humano. Que no nostalgia, sino excavación. En un presente político y cultural inestable, los diseñadores apuestan por la claridad de lo familiar. La ropa se convierte en instrumento de recuerdo, de enraizamiento en lo que hemos vivido.

La silueta marca un tono en ocasiones constrictor. Los abrigos se alargan y se envuelven de forma estrecha, abotonados hasta lo alto. Siluetas tubulares e insistentemente verticales alargadas por las proporciones de los altísimos modelos. La sastrería se reduce a su construcción más clásica, pero se afila mediante proporciones nuevas.

Famosamente, las camisas prolongan sus puños en exceso sobre las mangas, mostrando claras señas de uso y deterioro, adornadas con gemelos puestos de manera asimétrica por exigencias de estilismo. Prada no es novata en la exploración de lo usado y el paso del tiempo, pero esta vez los detalles llamaban la atención por su protagonismo. El cuero aparece arrugado y abollado, acolchado y ya vivido. Las prendas impermeables se deshacían como papel sobre una pared antigua, para revelar un tweed oculto como si el tiempo lo erosionara.

El color sorprende, entre rosa envejecido, malva, verde anís, morados profundos y tonos que nos devuelven a la Miuccia de 2018. Tonos ciertamente inesperados, ligeramente discordantes, pero armonizados. Los accesorios subrayaban la individualidad más que la uniformidad: carteras impuestas en bolsillos demasiado pequeños, cordones de colores, hebillas reutilizadas como cierres de corbata… La armonía clásica del armario masculino se deshacía en manos de Miuccia y Raf.

Reimaginado por OMA como la sección transversal de un palacio, el Deposito de la Fondazione Prada exponía interiores que normalmente permanecen ocultos. Un reflejo directo de las prendas

Para Otoño/Invierno 2026, Christophe Lemaire y Sarah-Linh Tran decidieron representar el teatro de la moda, desdibujando los límites entre desfile y representación. mine eyes, concebido junto a la escenógrafa Nathalie Béasse, es una colección explorada a través de los medios escenográficos. Casi como una extensión de la danza de Pina Bausch la temporada anterior, la ropa se activaba en el tiempo y el espacio. El escenario de la Opéra Bastille funcionaba como espacio límbico: un intervalo anacrónico entre presente y futuro.

Lemaire habita ese limbo desde su perspectiva textil. Las prendas aparecen influenciadas por las luces de escena, luces más duras y oscuras que las de un desfile tradicional. Los tejidos fueron escogidos por su ambigüedad visual, por su capacidad de engañar al ojo, una técnica cada vez más presente en las colecciones de la firma. Mientras, la sensualidad característica de la casa se mantuvo en la forma de siluetas magnéticas y modelos de distintos rangos de edad.

Las siluetas fluyen con el sigilo de Lemaire. Abrigos holgados, trajes de caída blanda y camisas y blusas con pliegues asimétricos, aberturas... El detalle técnico existe, pero esta vez huye de los focos (curiosamente) y se presenta como parte de un diseño de personaje más holístico. 

El imaginario de Roland Topor atraviesa la colección como un susurro. Sus dibujos casi oníricos, tensos y a veces crueles se traducen en una dureza textil nueva para Lemaire. En Lemaire, aunque la escena lo haga más evidente, la ropa existe en relación al cuerpo y al espíritu.

Para la próxima temporada, previo a su debut en alta costura, Jonathan Anderson consolida su etapa en Dior con un statement sorprendente: el riesgo como fin, no como medio. Si bien su primer desfile en junio establecía un suelo aristocrático más reconocible, esta segunda colección avanza sin cautela, buscando fricción y hedonismo a través del lenguaje de Anderson. De esta manera, el director creativo nos sorprende abandonando el archivo inmediato de la maison para mirar más atrás. En esta ocasión, hacia la admiración de Christian Dior hacia Paul Poiret.

Aunque el punto de partida es formal, los looks de apertura consistieron en vaqueros ajustados con tops superpuestos de malla metálica, creando un Dior que abandona la aristocracia para acercarse a la vida nocturna y subversiva. La sastrería se mantiene como el eje, pero sometida a deconstrucciones deliberadas y sorprendentes. Las chaquetas Bar se ven reducidas, con siluetas desgastadas y encogidas. Los abrigos envolvían a los modelos con exceso y volumen. Y sobre todos los looks, las pelucas, tanto mullets en amarillo como cabello dispuesto por el viento, se inspiraban en el trabajo de Guido Palau y dejaban a los invitados sorprendidos. 

Los detalles y materiales intensificaban la colección. Hombreras con flecos metalizados caían sobre camisas, capas en jacquards art déco tejidos a mano en Italia, retomando contacto con proveedores históricos de Poiret. Aparecen bordados de lentejuelas aplicados como chalecos sobre vaqueros, abrigos técnicos con flores tridimensionales, punto grueso reconvertido en siluetas de frac…

El color también irrumpía en la sala con energía. A pesar del despliegue, el conjunto se anclaba en piezas reconocibles y clásicamente Dior. Abrigos, jeans, sastrería… Dior sigue siendo Dior, pero esta temporada Anderson lo propone como herramienta de cuestionamiento y rebelión. Ropa que inicia debates, crea fricción y crea debate más allá del archivo.

En Otoño/Invierno 2026, Rei Kawakubo sitúa su colección masculina bajo una imagen clara: salir del agujero negro. No como acto optimista e ingenuo, sino como necesidad de supervivencia humana. En un momento de saturación, repliegue y miedo, Comme des Garçons Homme Plus responde desde la protección, la preservación y una forma extraña, casi inquisitiva, de positividad.

La silueta se construye como una armadura. La sastrería se envuelve sobre sí misma, se frunce y se acumula en capas dobles que envuelven el cuerpo como entramados caparazones. Vestidos impenetrables mediante paneles entrelazados atrincheran la silueta de los modelos. Chaquetas negras abiertas con cortes ultra precisos para dejar ver encajes, piel y huecos vulnerables: caderas, espaldas y ropa que expone la vulnerabilidad dentro de su armadura.

Los accesorios intensifican el planteamiento. Aparecen máscaras diseñadas por Shin Murayama que cubren el rostro como si fueran cascos de defensa. No queda del todo claro si cobijan del exterior, o si contienen algo interno. En los pies, los zapatos portan escritos a mano con mensajes directos: Strong Will, Live Free, My Energy Comes From Freedom. Frases a priori simples, pero que elevan el tono de protesta de la colección de Rei Kawakubo.

El trabajo textil es denso y sensorial. Kawakubo y su equipo han aplicado esta temporada terciopelos con detalles en relieve, encajes con brillo, brocados metalizados, lamé... Casi como cotas de malla aplicadas a  la vestimenta contemporánea. La materia se pliega y se anuda, creando volúmenes irregulares que refuerzan la idea de protección. Incluso cuando el cuerpo se muestra, lo hace desde una estructura deliberada y consciente, nunca exclusivamente estética.

El desfile cierra con un giro magistral. La música de Michel Polnareff cambia la energía de la estancia. Todas las siluetas reaparecen en blanco. Así llegaba la luz a vislumbrarse a la salida de aquel agujero.